アートイベントへのお出かけ記録と、その他、日々思うことを徒然につづります。

東京発6時20分の「のぞみ」に乗ったら8時半に東岡崎に着いてしまった。しかし、駅前には何もなくてがっかり。名古屋駅のコメダ珈琲でモーニングでもしてくればよかった。

そこから路線バスで30分、小高い丘の上に建つ岡崎市美術博物館は、別名「ランドスケープミュージアム」。そういうだけあって素晴らしいロケーションだった。

日本の地方美術館の地道な調査活動と熱意と、そして優れた企画力にはいつも感嘆するのだが、ここでも心惹かれる企画展を連発している。昨年行われた「桃源万歳！―東アジア理想郷の系譜―」には東北画の三瀬夏之介の作品も出ていたとのこと。かなり惹かれたのだが行けなかった。

さて、今回のお目当ては村山槐多。14歳で描き始め、22歳で夭折という大正時代の天才画家である。関連資料350点。絵画はもちろん、自作の詩も自筆の小説もあり、大作の謎解きもあって、まさに全貌というにふさわしい展示会だった。

行ったのは土曜日の朝のことだったが会場は多くの来場者でにぎわっていた。実績のある大作家というわけでなし、どのくらい来場者を集められるのだろうと思っていたが良好のようだ。来場者が熱心に鑑賞している様子を見ると、当地に芸術・文化を愛好する厚い層があることがよく分かった。

槐多が奈良へ徒歩旅行したとき、警察署長の好意で署に泊めてもらったことを書いた「警察宿り（とまり）」の自筆原稿がよかった。内容の面白さもさることながら、楷書の文字が一貫しており、紙面デザインへの高いこだわりが感じられた。

展示会は絵を描き始めた14歳から17歳までが「第1章 岡崎に生まれ、京都へ」、東京で本格的に制作活動にうちこむ18歳頃が「第2章 画家を志して上京、謎の大作と盛期」、それ以後、画壇で認められつつ放浪する19歳頃が「第3章 大作の屈辱から野生への眼差しへ」、家族との葛藤に苦しみ、惜しまれながらも病死する22歳までが「第4章 晩年―失恋、闘病の末終焉の地代々木へ」となっている。

こうして展示会場を歩いて彼の人生を概観すると、その短くも激しさに慄然とするとともに、いかに彼が多くの大人たちに愛され、期待されてきたのかもわかる。いち早く才能を見抜き協力を惜しまなかった山本鼎はもちろん、無名作家だった槐多の作品を最初に購入した横山大観、そして与謝野晶子、高村光太郎らの文人たち。彼らは槐多の破滅的なまでに青年らしい気質が、芸術に対する一途さから生じていることを彼の作品から見て取ったのではないか。

彼の作品を多くの美術館が収蔵し、コレクターが熱心に収集していることから、それは今日の人々にも同じようにアピールしていると思う。今日これだけ人々の情感に訴える戦前の日本作家はいないのではなかろうか。

ところで、これだけ彼の作品を一同に見ると、作家としての課題も明らかになるような気がする。言ってみれば輪郭と網カケで描いた人物は素晴らしいが、伝統的な油彩技法で描かれた作品は退屈なのだ。特に風景が、いわゆる中心のない画面でつまらない。

謎解きとしてフィーチャーされた「日曜の遊び」は大作を水彩で描こうとした試みだが、これには大画面の構築に見るところがない。どこといって見るところのない退屈な作品だと思った。しかし、いずれにしてもこれが18歳の作品。あと10年生きていれば身につくことが多かっただろうにと、かえって哀しみに誘われる。

それに対して人物画の魅力的なこと。油彩でもきっぱりとした墨の描線と綿密に描かれた眼と鼻には引き込まれずにはいられない。そして、作家がどういう気持ちで描いているのかが手に取るように伝わってくる。

「紙風船をかぶれる自画像」「尿する裸僧」「山本たけ像」「バラと少女」。モデルに対してはもちろん、これを描いた画家のことにも好意を覚えずにはいられない。特に江戸川乱歩が熱望して手に入れたという「二少年図」のピンクの頬が瑞々しいこと。また、このキャプションにあった乱歩が影響を受けたとされる村山の小説とはどれのことだろう。とても興味をそそられた。

以前から行かなければと思っていた豊田市美術館に行ってみた。歴史のある工業地域の富の蓄積が芸術・文化を継続的に支えていることが分かる施設だった。

「みえるもの／みえないもの」は収蔵品による企画展。ミケランジェロ・ピストレット、クリスチャン・ボルタンスキーなど各地のビエンナーレ・トリエンナーレでおなじみのベテラン作家から、川内倫子、志賀理江子など国内の若手もありで手堅い展示だった。

企画展なしでもこちらだけで十分楽しめる。地元にこんな美術館があれば楽しいだろうと思った。

志賀理江子の「カナリア」に再会できた。今回の展示は大判のインクジェットプリントをピンで留めただけ。端っこがすこしめくれ上がっているのも雰囲気がいい。ヨコハマ国際映像祭では高解像度プロジェクタで高速スライドショー、森美術館ではパネルをイーゼルに立てて、あいちトリエンナーレでは暗い部屋にパネルを床置き、赤々舎の書籍ではプリントを手貼りと、彼女はいろいろな方法であの映像を表現している。こうした展示方法へのこだわりも素晴らしいが、繰り返し見てもあの映像はかわらない衝撃を与えてくれる。

ソフィ・カルは断片的に見たことがあったのだが、「盲目の人々」でようやくまとまった作品を見ることができた。これは生まれつき盲目の人々に「あなたが考える美とは何ですか」という質問の答と、その答えに関連する写真を配したもの。展示自体は本人のポートレート、そのテキスト（フランス語）、関連写真の3点セットが20数人分、壁に高く、低く設置されている。鑑賞者はテキストの日本語訳のボードを持って1セットずつ見ていく。

作品は、そのテーマも伝える内容も興味深く見応えあったが、私が特に考えたのは編集という行為の作品化ということだった。テーマを考え、それを取材し文章を書き写真を撮る。そうしたら雑誌や書籍として表現することが普通だろう。しかし、それをアート作品としてホワイトキューブで表現することも選択肢のひとつである。この作品は「編集もまたアートである」ということ認識させてくれた。

こちらも藝大の映像研究科の展示会。ウェブサイトのゆるいテーマ曲に誘われて来てみた。横浜の新港ピアの隣という奥まった場所なので来場者は少ないが、インスタレーション、映像、プログラムなど多様な成果、充実した内容だった。

ICCかメディア芸術祭向きのメディアアートが多いが、見て最も満足したのは吉開菜央の「some rules in the morning」や関友太郎の「私達は洗車を｜旅行がしたい」など普通の映像作品だった。

こちらもテクノロジーによる表現の可能性を探る試みを楽しめる展示会。アートの理解への幅を拡げるために定期的に行くべきものだと思った。

テーマ、手法、展示、いずれもこれだけ想定の範囲内で驚きの少ない展示会は珍しかった。私には日本画を鑑賞する知識がないが、それでもせっかく行った展示会ならどこか楽しむものを見つけようとするのだが、それもできなかった。

それにしても横トリ後の横浜美は、地元にちなんだ洋画と自慢のシュールレアリズムのコレクションですっかり通常モードだった。常設では福沢一郎の「未完成交響楽」（1930）が出ていたのが成果だった。

日本画のゾーンにタゴールと原三渓と松楓閣という企画展示があって、これが興味深かった。

三渓園の奥にある見晴台は松楓閣の跡地であると聞いていた。ここには下村観山の襖絵があったが関東大震災で倒壊したときに消失した。タゴールが1916年に2ヶ月半滞在したときの写真があり、このときに作った英語の詩がすばらしい。ネットで探したがみつからない。書き写しておけばよかった。