カテゴリー : トークイベント・シンポジウム

恵比寿映像祭2012「映像アーカイヴの現在 02:≪AA≫をめぐって―音楽と映像の交差点」@東京都写真美術館

恵比寿映像祭2012「映像アーカイヴの現在 02:≪AA≫をめぐって―音楽と映像の交差点」@東京都写真美術館

映像アーカイブという言葉に惹かれて参加したが、「AA」という映画を見ており、かつこの映画を気に入っていないと意味のないシンポジウムだったようだ。

「AA」は70年代に活躍した音楽評論家、間章(はざまあきら)についてのドキュメンタリー映画らしい。この人にも映画にも興味がなかったのだが、シンポジストの松井茂は昨年も恵比寿映像祭やアーカイブについての別のシンポジウムでもで話を聞いていたので期待していた。しかし、今回のプレゼンは精彩を欠いていた。

一方で、音楽家の長嶌寛幸の映像アーカイブについての言葉にはいくつか聞くべきものがあった。

長嶌は、映画がテレビ(ビデオ)と違うところは、①大画面であること、②暗い空間で作品と1対1になって鑑賞すること、③途中で停止させることができないことである。つまり映画は『体験』であるが動画は『環境』である。そして、これが映画が他の映像メディアに対し特権的である理由である、と語る。

そして、映画が体験であるならば、映画をアーカイブにするには単なる映像ストックではなく、映画館という常設空間の整備が必要であるとする。一方テレビのアーカイブについては、これも同じく単なる番組のストックではなく当時のCMやキャプションも付いた状態で保管しなければならないとも語った。

映像アーカイブを考える上での極めて示唆的な発想である。松井が後ほど、「かつてテレビ番組の制作者は、番組を記録として残さないことをもってよしとするメンタリティさえあった」と指摘した。

しかし、「AA」監督の青山真治の語ることは、単なる業界話に過ぎず、聞くべきことがなかった。また、長嶌にしても松井にしても、アーカイブを巡る自分の考えを発展させる議論がまったくなかった。全体的に残念なシンポジウムだった。

フィールドノーツ研究会 俗称「勝手に『ウメサオタダオ研』」@:東京大学 福武ラーニングスタジオ

フィールドノーツ研究会 俗称「勝手に『ウメサオタダオ研』」@:東京大学 福武ラーニングスタジオ

梅棹忠夫は文系研究者としての最高のキャリアを上り詰めた人だと思う。彼は京都の老舗に生まれ、若いときは未踏の地を探検して遭難しかけたりと無茶もしたが、後に大阪万博の影の立役者として政府と交渉したり、国立民族学博物館設立の中心人物になったりと、生涯を通じて八面六臂の活躍。

あるオバちゃんがウメサオタダオ展のポスターをじっと見て、「いい男だねネ、昭和の男はいい顔してるワ」と言ったのを聞いて、梅棹は関西地方では知的アイドルなのかもしれないと思った。

今回のワークショプは国立民族学博物館主催の「ウメサオタダオ展」の東京・日本科学未来館での巡回展を素材に、梅棹の多様な成果を再考しようとするもの。

参加者は梅棹考案の京大式カードを持って展示会場に行き、思いついたことを書いておく。それを会場に持ち寄ってワークショップ形式で一冊の本を作りましょうというのが第一部。第二部は梅棹や文化人類学、フィールドワークに関わる研究者と会場のやりとりでディスカッションという構成。

会場には若い人達が目立ったが、リアルタイムで梅棹の活躍を経験した世代も多く参加していた。これから作る書籍カバーが用意されていたり、食事がやけに豪華だったりとさすがに文系のワークショップは仕掛けが充実している。

各参加チームの発表では予想通りネット時代の情報管理、主にEvernoteなどのITツールとの関連で梅棹の知的生産技術を語るものが多かった。確かに今日の状況においては、ますます梅棹の情報整理術が貴重な指針となるはずである。

「分類法をきめるということは、じつは、思想に、あるワクをもうけるということなのだ。きっちりと決められた分類体系のなかにカードをほうりこむと、そのカードは、しばしば窒息して死んでしまう。」知的生産の技術(P59)

「未整理のカードがいくらふえても、いっこうにかまわない。それこそは、あたらしい創造をうみだす源泉なのである。」知的生産の技術(P59)

カードを作るとき、カテゴリやタグを決めるのが手間になって記録しないのは本末転倒。とりあえず未分類に放り込んでおけばいい、という40年前の梅棹の示唆はEvernoteの使い方に悩む私にとって大きな救いだった。

「カードは分類することが重要なのではない。くりかえしくることがたいせつなのだ。」知的生産の技術(P59)

つまり、記録するハードルはできるだけ下げるべきであり、ノートは徹底的に気軽に作るべきである。重要なのは(未分類に放り込んでおいた)ノートを繰り返し見直すこと、それが情報カードの本質である。そのように私は理解した。

ワークショップに参加して情報整理の考え方の整理ができたし、若い学生や専門の先生とたくさん話ができて多くの刺激をもらった。良いワークショップだったと思う。

前衛美術とアナキズム~戦後日本前衛美術におけるパフォーマンス史@下北沢ラ・カメラ

前衛美術とアナキズム~戦後日本前衛美術におけるパフォーマンス史@下北沢ラ・カメラ

60年代のアートパフォーマンスについての評論「肉体のアナーキズム」著作の黒ダライ児のトークイベント。福岡の方なのでめったに見られないのではと思い、いそいそと下北沢まで出かけてみた。

そしたら開始は告知より1時間遅れということでがっかり。しかし、始まってみれば狭い会場はいっぱいになっていた。若い人達がこのテーマでこんなに集まるとは思わなかった。

内容はまず、戦後でもなくパフォーマンスでもなく、戦前の上海での前衛芸術運動からだった。しかし、それは後半の60年代アートパフォーマンスについての話とつながらなかった。

新しい資料としては1966年のアートシアター新宿文化における新宿アートフェスティバルの写真。それ以外には特に興味深いものはなかったが、黒ダのあさいますおへの共感が深いことはよくわかった。

また、クロストークの相手である高野慎三が、クロハタの公演チラシや赤瀬川原平の千円札裁判会場見取り図など貴重な資料を提供。

それはいいのだが、クロストークはホントに盛り上がらなかった。事前のすり合わせがなかったのだろうか?テーマに興味がないのならメンバー変えたらどうだったろうか。モデレータはもう少しきっちりとした進行をするべきだと思った。

「S/N」から“発明”する社会と繋がる方法論@早稲田大学小野記念講堂

「S/N」から“発明”する社会と繋がる方法論@早稲田大学小野記念講堂

早稲田大学演劇博物館で行われている、90年代の京都とダムタイプの「S/N」に関するアーカイブ展の関連イベント。第1部が「S/N」のビデオ上映、第2部が関係者によるシンポジウムだった。200席の会場がいっぱいで、このテーマでこんなに人が集まるとは思わなかった。

「S/N」を見るのは3回目。なので今回は特にいつもは読み飛ばしがちのテキストをメモしながら見た。

「conspiracy of silence/conspiracy of science/conspiracy of scientia」という問題提起から始まり、「I dream…, my … will disappear.」のモノローグも力強い。

しかし、最も印象的だったのは「日本人」の「ろう」の「男性」の「ホモセクシュアル」であるアレックスと、セックスワーカーのブブが肉体でやりとりするシークエンスで、アレックスが聞き取りにくい言葉で発するテキストだった。

あなたが何を言っているのかわからない
でも あなたが何を言いたいのかはわかる
私はあなたの愛に依存しない あなたとの愛を発明するのだ
これは、世の中のコードに合わせるためのディシプリン

ディスコミュニケーションを乗り越えるための徒労のような長い行いを経て発信されるこの宣言は、絶望と不屈を併せ持っているようだった。

AIDS、障害者、セックスワーカー、ホモセクシュアルなど、「S/N」のテーマは社会的マイノリティである。90年代の演劇でマイノリティやディスコミュニケーションについて取り上げることは珍しいことではない。むしろありふれている。しかし、「S/N」が衝撃的だったのは役者がそれらを演ずるのではなく、本物のAIDS保持者、ろう者、セックスワーカー、ホモセクシュアルが自ら本人としてステージに登場していることである。

また、シンポジウムでキュレーターの四方幸子がダムタイプの特徴としてワークス・イン・プログレスを挙げていた。これはアート業界では馴染みのあるフレーズであり、アートファンにはそれを許容する土壌もある。しかし、興行という、チケットを販売して客席を埋めるというシステムの確立した演劇業界では、このワークス・イン・プログレスは受け入れがたいものではないか。

その点からもダムタイプが演劇やステージというよりもアートとしてアートファンに高く支持されるのは分かる。

ところで、私は以前からアレックスに興味があったのだが、シンポジウムの質問タイムに会場から手話による彼についての質問があった。

「S/N」に出演したブブ・ド・ラ・マドレーヌによると、ダムタイプのリーダー的存在の古橋悌二は人間の相対化を印象づけるために出演者にろう者が必要だった。アレックスは画家志望の青年だったが古橋の説得を受けて絵画以外の自己表現方法として出演することにした、とのこと。

質問をしたろう者の方によると、アレックスとは一度会ったことがあり、彼が手話を出来なかったことに驚いたとのことだった。私はここにも「S/N」のテーマであるボーダーの諸相があるのだなあと思った。

シンポジウムの参加者でダムタイプの直接の当事者といえばブブだけで、他はその後に関わった者が多かった。そのためか、議論はかみ合わない印象だった。

しかし、ICCの学芸員である畠中実が、「S/N」は権利関係の理由で今後もビデオ化される予定はない。しかし、むしろそのことがこうしてホールで上映し「S/N」について語り合うことを繰り返す機会となればそれも良い、と言っていたのには同意する。

ビデオはあくまでもリアルなステージの影や記憶に過ぎない。しかし、「S/N」はこうして若い層に繰り返し見てもらいたいステージの影である。

Yebizoラウンドテーブル「映画/映像/風景論―1960年をめぐって」@第3回恵比寿映像祭

Yebizoラウンドテーブル「映画/映像/風景論―1960年をめぐって」@第3回恵比寿映像祭

若手の映画研究者、平沢剛のモデレーションによる、1960年代の日本の映像文化をめぐるシンポジウム。ゲストはオーストリアの映画研究者、ローランド・ドメーニグと詩人の松井茂。

平沢は西欧で日本映画が見直されていることに触れ、1960年代の映画製作環境としてのATG(日本アート・シアター・ギルド)の再評価を訴える。

また、大島渚による「絞首刑(1968年)」の予告編を上映し、運動としての映画制作・映画鑑賞についても言及した。

ローランドはこれまでの映画評論や映画研究が劇映画というごく一部(氷山の一角)に限られており、ドキュメンタリー、自主制作、ピンク映画、テレビ映画、教育映画、PR映画などについても意識する必要があると述べる。

特に岩波映画が後年多くの人材を輩出したことに触れ、黒木和雄の「とべない沈黙(1966年)」の一部を上映した。

松井は「東野芳名のテレビ的な…」と題して、アートとテレビの関係について国内外の事象を紹介しつつ、両者の関係性について問題提起する。

「テレビ番組とCMの関係はコンバインである」、「アンディ・ウォーホルのジャッキーはテレビ画面で見るために作られた」などとした東野芳名の記述を引用した。

いずれも興味深い議論であった。
私はアートアーカイブに関心があって、これに関する議論にはそれなりに触れてはいるのだが、こうした1960年代の実験映画という極めて限定的な分野についての研究に関わっている人がいるとは知らなかった。

それに、シンポジウムが100名ほどの会場がいっぱいになる盛況であることも驚きだった。来場者はいずれもリアルタイムでATG映画など見たことがないだろう年代ばかりだったが。

先日の慶應アートセンターによるシンポジウムも、かなりコアな研究分野だと思ったが、これは美術史の一環として議論できる分やりやすいのかもしれない。

今回のテーマは映像史とか映画史という、まだ歴史の浅い分野におけるさらにマイナーな分野の研究である。これを文化史のなかに埋没させず、独立した一分野として確立させるにはかなりの苦労がありそうだ。

ただ、その時代の映画製作に実際い関わっていた方々が会場に来て発言していたが、このようにまだ存命の当事者がいることが大きな力になるようだろう。

港区アート・アーカイヴ=地域芸術資源採掘プロジェクト「なにかいってくれ いま さがす」@慶應義塾大学三田キャンパス東館6F G-SEC Lab.

港区アート・アーカイヴ=地域芸術資源採掘プロジェクト「なにかいってくれ いま さがす」@慶應義塾大学三田キャンパス東館6F G-SEC Lab.

昨年10月の国立近美でのシンポジウム以来、私は慶應アート・センターのことをアートアーカイヴの最左翼と呼ぶことにした。

その若手スタッフ、上崎千と久保仁志によるシンポジウムは、1968年に草月アートセンターが行った当時最先端の作家たちを集めて行われたイベント、「なにかいってくれ いまさがす」をテーマに採りあげた。

その対象となるイベントを意識してか、このシンポジウムも各方面の論客を10人も迎えて先鋭感のあふれるものとなった。

詩人の松井茂は貴重な「7人の刑事」のビデオを流した上で、この時期のテレビ番組がビデオとしてほとんど残っていないことを述べ、テレビ番組におけるアーカイブのあり方について指摘した。

明大の映画研究者、平沢剛はこれまた貴重なフィルム、「椅子を探す男」を上映し、映像作家としての勅使河原宏の再評価を訴えた。

金沢21世紀美のキュレーター鷲田めるろは、明治時代に井上馨が金沢の旧家を訪れたときの記録を掘り起こし、型/反復としてのアーカイブについての可能性を指摘した。

東大の平倉圭はパゾリーニが書いたケネディ暗殺のフィルムにまつわるエッセイを採り上げ、「アーカイブは死ななければならない」という刺激的な問題提起をする。

慶應アート・センターの上崎千は下着ドロボウの押収品が体育館いっぱいに広げられた写真をベースに、アーカイブの残響について説いた。

同じく慶應アート・センター久保仁志は、アイテムが時系列に配置されたとき、さらに複雑な残響が発すること。これに伴うエイゼンシュタインが指摘した残響の一形態であるオーバートーンモンタージュについて語った。

東近美の三輪健仁は、「1970年8月―現代美術の一断面」展の資料を材料に、アーカイブの単位としての個々の作品と展覧会について指摘。

映画監督の大森立嗣は現代の「ゴドーを待ちながら」とも言うべき新作ショートフィルムを寡黙に上映した。

エディトリアルデザイナーの森大志郎は、ポスターやチラシを印刷所で実際に製作していく過程をつまびらかにし、その工程で発生する多くの版におけるアーカイブの可能性について述べた。

東大の荒川徹は勅使河原宏の「おとし穴」のフィルムを上映し、その背景を精密に分析した。そして、ボタ山などその人工的な景色が当時の作家たちをどのように魅了したのか、またそのボタ山のその後と現在について語った。

ここではこのようにそれぞれ簡単にしか書けないが、いずれも深みのある内容で、もっと時間をかけて考察してみたいものばかり。しかし、このシンポジウムは、とにかく長い、テーマが拡散している。

13:00からスタートし、パネリストの基調講演が終わったのが17:00。それからようやくオープンディスカッションの始まりとなった。私は次の予定があり18:30でギブアップ。

そうした問題点はありながらも、それぞれの提起した問題はいずれも極めて興味深く、めくるめくような知的刺激にあふれている。

もし、このシンポジウムの企画者が、こうした濃密で刺激ある時間をつくることによって、あの1968年の草月ホールのひとときを追体験させることを企んでいたのだとしたら、彼らは大した策士だと認めざるをえない。

藝大先端2011@BankART Studio NYK

藝大先端2011@BankART Studio NYK東京藝大の先端芸術表現科、学士、修士課程卒業生の卒制展。BankARTの上から下まで使って盛大だった。

インスタレーション、パフォーマンス、映像作品と現代アートっぽい作品が並び、そのいずれもがそつがない。しかし、どれもどこかで見たことのある感じで、ハチャメチャなものがひとつも無かった。

手法は手馴れているのだが、伝えざるを得ない何かがあって、これを具現化する手法はこれであったという動機が読めない。

その中でも笑いについてのビデオ作品を制作した呉弦佑が、カメラのこちら側にいる者の存在感を映し込むことに成功している。

また、その奥の部屋の衣笠木乃美の魔女の部屋っぽいインスタレーションは、男性は見てはいけないもののようで、生々しさが匂うようだった。

学部生によるアーティストトークは良い取り組みだった。学生は自分の作品を言語化することを求められているとのことで、それぞれ拙いながら懸命に伝えようとする姿に好感を持てた。

東谷、小谷、辛という業界人を揃えたシンポジウムにも参加した。東谷の釜山ビエンナーレについて、小谷の森美術館での個展の構成について、辛のアイ・ウェイウェイについてなど興味深い話が沢山聞けてよかった。

しかし、最初の質問で「就職決まった人?」。「ゼロ」。という学生の現状を鑑みて、「メディア」とか「展覧会」ではなく、アート業界に人生をかけることについてのもっと真剣なテーマでもよかったように思う。

単なるアート業界人の自慢話だったと言われても仕方ないような内容だったのは、テーマ設定にも原因があると思う。

それにしてもこの展示会、ウェブサイトとチラシは素人離れした出来だ。まさかとは思うが、業者にたっぷり制作費払ってたりしたら嫌だな。

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