アートイベントへのお出かけ記録と、その他、日々思うことを徒然につづります。

せっかく高崎まで行ったので以前から行きたかった館林にも行ってみた。しかし、同じ群馬県とはいえ遠い。高崎から一駅だけ新幹線に乗ってしまった。そうして着いたいかにもローカル駅らしい東武伊勢崎線多々良駅から徒歩で向かうと、10分ほどで広大な小麦畑が揺れる美術館のアプローチに着く。

企画展は館林を中心にした北関東の作家によるグループ展で、大型の立体、平面、インスタレーション、コンセプトとややとりとめのない感じ。

入り口正面の眺めのいい展示室でみた吉本義人の金属による造形は、バランス感覚と腐食のテクスチャが心地いい。小川精一の陶器のシリーズと併せてアート空間にいることの快感を満喫した。

その他の展示では藤井龍徳の環境告発的な作品が目についた。
木材が何本も立っている展示室。ぐるっと回ってみるとその一本一本に墨で何かか書かれている。そうするとこれは卒塔婆なのか。周囲の壁には濁った水の入ったガラスチューブやビニール袋が掛かっており、それぞれには渡良瀬川など、取水された場所が書かれている。

これはやはり環境破壊をテーマにした作品なのだろう。フクシマ以来多くの作家がこれをテーマにすることが多くなったが、ちょっと考えてみればこの問題は昨年から始まったわけではない。渡良瀬川の鉱毒事件や渡良瀬遊水地の強制退去などについて、わざわざ思い出さなければならないことを恥ずかしく思った。

また、たとえ社会的テーマであっても作品は造形であり、造形には美意識に基づいた完成度が求められる。広島やフクシマを取り上げているあるコンセプト作家群に私が全くそそられないのは、彼らには世に出す作品を完成させるという意識が欠落しているからだ。藤井の展示空間にいてそんなことを考えた。

あと、所沢ビエンナーレで見た佐藤万絵子のビニール空間に再会できた。これもカサカサ言わせながらあちらこちらと潜り込んだ。

展示室を出て、中庭に向けて歪曲した長い通路を進んでいくと栃木美保の香りの作品がある。ひとつづつシャーレを開けて星座の名前のついた香りを楽しんだ。

通路の端から屋外に出て別館に行ける。ここはフランスの彫刻家フランソワ・ポンポンのアトリエを再現している。窓の外では木漏れ日が揺れていて居心地がよかった。ここなら監視もいいだろうなと監視の人に話しかけたら「ホントにそうです。ありがたいです」と言っていました。

本館のはずれにはちょっとした木立があって、いくつかのベンチが置かれている。ここから眺める芝生の広場と美術館の建物がまた素晴らしい。やっぱり美術館という空間を楽しむならここははずせないと確信した。思い出してもまだ気持ちがいい。ああ、行ってよかった。

美術館からちょっと行った所に白鳥の飛来地で有名な多々良沼があるらしい。徒歩だったのでこちらは残念ながら断念したが、彫刻の小径という公園は散歩した。群馬県の美術館は春のお出かけにちょうどいいという発見をした。

ミリアム・カーンは70年代から活躍しているスイス在住の作家。今年のG-tokyoで数点を見て、さらに見たくなって六本木に出かけていった。多くのポートレートとハプニング風のドローイングがあったが、手前の部屋の数十個のポートレート群は組み作品らしく、個別のタイトルはない。それが「私のユダヤ人」という作品だった。

鮮明ではあるが、もはや悪夢のような色使いで、曖昧な輪郭で描かれる人物たちは老人、大人、子ども、男、女と多様で、怒り、哀しみ、放心などの表情をしている。その表現手法がそれぞれの人間の語り尽くせない人間の状態を表現しているようだった。しかし、これらが迫害されたユダヤ人での姿を表現しているのか明らかではない。

しかし、それはどうでもいいような気がする。今日に生きるある民族の個人であろうと一言では表現できないものだから。

ポートレートというものに何が表現できるのかを目の当たりにできる鑑賞体験だった。

このギャラリーは新富町から白金に移転。最初の訪問は先日ルイ・ヴィトンで興奮したCGアートの渡辺豪。

10年ほど前にはこうしたCG美少女が大流行で、CGクリエーターはこぞってShadeやらLightWaveでモデリングしてた。それからはすっかり下火になってしまった。いまでもFinal Fantasyなどの3Dゲームでは素晴らしいキャラクターやモーションを楽しむことができるが、テクノロジーの粋を尽くすほどにリアルとの隔絶感が浮かび上がってくる。

渡辺も目尻などのディテールは恐ろしいくらい綿密に作りこむのだが、顔の構造はどことなく現実感の薄いものになっている。そうした作品を見ていると、CGはリアルさの追求に伴って、それに比例して増加するリアルとの乖離を楽しむものになったのかと思う。

これは人が見たいものとそれを表現するためのテクノロジーの関係について考えさせる作品群だった。

先日、箱根で見てきたポーラ美術館の企画展「印象派の行方」の関連イベント。同企画展の担当学芸員を招いての講演会は、ルノアールとモネを中心とし、マルラメ、ボナール、マティス、ピカソなどその周辺の人物にも言及した、微に入り細に入りの充実した内容だった。

速いタッチで移ろう時間を捉えようとしたのが印象派。しかし、その後その手法に「対象にゆだねてしまう」との批判があった。それ故、後期の印象派作家たちはキャンバスを屋外に持ち出しはしたものの、仕上げはアトリエでじっくりと行うという方法に変わった、という件が勉強になった。

また、ルノアールの作風が古典に回帰したこと、モネが壁画を制作し国立美術館に収蔵されたこと。これが彼らの美術史に残るための方法だったのではないか、という考えも興味深かかった。

近代美術にも学ぶことが多いことが分かり、ますます興味がかきたてられた。